Os primeiros sinais de insatisfação com a arte que vinha sendo produzida no país, começa com exposições individuais e obras de artistas que começavam a questionar a identidade artística do Brasil. Show O momento político e econômico pelo qual o Brasil passava também pedia uma resposta diferente de um diferente tipo de arte. De Império, o imenso território brasileiro se transformara numa República, e a transição não havia sido nada simples. A primeira fase do modernismo brasileiro vai de 1920 a 1930 e tem forte influência das vanguardas artísticas europeias. Mesmo com essa influência, é nessa fase que a arte brasileira procura se reconhecer como tal – e não mais como uma arte luso-brasileira. É nesse cenário que Mário de Andrade e Oswald de Andrade, entre outros, vão idealizar o evento que lança as bases desse modernismo. A Semana de Arte Moderna aconteceu em São Paulo, no Theatro Municipal, de 13 a 18 de fevereiro de 1922. Foi uma semana culturalmente agitada, a programação incluía pintura, escultura, música, poesia e literatura como os grandes protagonistas do evento. Apesar de reagir diretamente à arte acadêmica produzida até então, e que era muito apreciada pela elite paulistana, o evento teve o apoio do governador da época, Washington Luís.  Comissão organizadora da Semana de Arte Moderna A reação à semana de arte modernaDe imediato, como devia ser esperado, a Semana de 22 causou mais incomodo e insatisfação do que apreciação. As obras foram consideradas muito radicais e por isso o público se recusou a compreendê-las como arte, uma vez que havia um padrão estabelecido do que poderia ser chamado assim – e certamente não era o que a Semana apresentava. O fato é que a arte mostrada ali procurava romper com os padrões estéticos estrangeiros, tendo nos elementos da cultura brasileira sua principal fonte inspiradora. Os personagens retratados na pintura, escultura e literatura da semana de arte moderna têm em si o aspecto mais brasileiro, incluindo aí seus dramas, cores e lutas. A Semana de Arte Moderna, realizada entre os dias 13 e 18 de fevereiro de 1922, foi o evento que deu visibilidade para uma das escolas literárias mais inovadoras e importantes da história da literatura brasileira – o modernismo. Apesar das primeiras manifestações modernistas terem surgido em São Paulo na década de 1910, foi apenas a partir de 1922 que o movimento ganhou visibilidade fora da capital paulista, alcançando outras partes do país. A ampla divulgação dos ideais modernistas deveu-se, principalmente, à Semana de Arte Moderna. Leia também: Vanguardas europeias - as tendências artísticas que influenciaram o modernismo brasileiro Realizada no Teatro Municipal de São Paulo, a Semana de Arte Moderna contou com a participação de vários artistas do Rio de Janeiro e de São Paulo. Considerado por muitos estudiosos da literatura como um divisor de águas na cultura brasileira, o evento provocou grandes e profundas transformações nas artes de nosso país – que, a partir daquele momento, romperiam definitivamente com a cultura europeizante ao propor o abrasileiramento nas artes plásticas, na música e na literatura. Começava uma busca incessante pela construção de uma identidade genuinamente nacional, distante dos moldes europeus que pouco representavam o povo brasileiro.
Como ocorreu o evento?O evento foi aberto ao público, que durante toda a semana pôde visitar o saguão do teatro e conferir uma exposição de artes plásticas com obras de Anita Malfatti, Vicente do Rego Monteiro, Zina Aita, Di Cavalcanti, Harberg, Brecheret, Ferrignac e Antonio Moya. Além da exposição, foram realizados saraus com apresentação de conferências, leitura de poemas, dança e música, participação dos escritores Graça Aranha, Menotti del Picchia, Guilherme de Almeida e Ronald de Carvalho, com execução de músicas de Ernâni Braga e Villa-Lobos. Entre os organizadores da Semana, estavam Mário e Oswald de Andrade, que, posteriormente, ao lado de Manuel Bandeira (que não participou do evento), formaram a célebre tríade modernista. Eles foram considerados como os principais representantes e divulgadores do Modernismo no Brasil. Graças a eles, a estética modernista ganhou adesão de outros importantes escritores, conseguindo, assim, solidificar-se e influenciar as gerações vindouras.
DesdobramentosComo toda inovação, sobretudo quando essa está inserida em um contexto ultraconservador, o modernismo não foi bem recebido pela crítica, que à época respaldava o parnasianismo, escola literária que pregava o retorno aos ideais clássicos e, assim, alcançava prestígio também entre os leitores (sobretudo entre as elites). A Semana de Arte Moderna não teve grande repercussão, tampouco recebeu a devida atenção dos jornais da época, que se limitaram a dedicar poucas colunas em suas páginas sobre o evento. Entretanto, aos poucos, a Semana foi ganhando uma enorme importância histórica, uma vez que reuniu entre os dias 13 e 18 de fevereiro de 1922 várias tendências de renovação, cujo principal objetivo, embora não houvesse um projeto artístico em comum que as unisse, era o de combater a arte tradicional. Conforme dito por Mário de Andrade em uma conferência realizada em 1942 por ocasião dos vinte anos da Semana de Arte Moderna de 1922, “o Modernismo, no Brasil, foi uma ruptura, foi um abandono de princípios e de técnicas consequentes, foi uma revolta contra o que era a Inteligência nacional”. Os reflexos da Semana foram sentidos em todo o decorrer dos anos 1920, romperam a década de 1930, influenciaram toda a literatura produzida no Brasil durante o século XX e alcançaram a literatura contemporânea. De certa forma, tudo que é feito no país hoje, seja na literatura, seja nas artes plásticas, está indelevelmente relacionado com o Modernismo. A Semana de Arte Moderna, também chamada de Semana de 22, ocorreu em São Paulo, entre os dias 13 e 17 de fevereiro de 1922,[1][2] no Teatro Municipal da cidade. O governador do estado de São Paulo da época, Washington Luís, apoiou o movimento, especialmente por meio de René Thiollier, que solicitou patrocínio para trazer os artistas do Rio de Janeiro: Plínio Salgado e Menotti Del Picchia, membros de seu partido, o Partido Republicano Paulista. Cada dia da semana trabalhou um aspecto cultural: pintura, escultura, poesia, literatura e música.[3] Participaram da Semana nomes que mais tarde seriam consagrados no modernismo brasileiro, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Víctor Brecheret, Plínio Salgado, Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Guilherme de Almeida, Sérgio Milliet, Heitor Villa-Lobos, Tácito de Almeida, Di Cavalcanti, Agenor Fernandes Barbosa[4][5] entre outros, e como um dos organizadores o intelectual Rubens Borba de Moraes que, entretanto, por estar doente, dela não participou.[6] Alguns dos idealizadores do evento eram membros de tradicionais famílias paulistas.[7] A Semana de Arte Moderna representou uma tentativa de renovação da linguagem artística e cultural, na busca de experimentação, na liberdade criadora e na ruptura com o passado. Na época de sua realização teve um impacto pequeno e bastante localizado, mas depois da morte de Mário de Andrade em 1945 iniciou-se um movimento de recuperação do seu legado. Desde então a Semana foi canonizada e incensada na história do Brasil como o momento de fundação de um universo de pensamento todo novo e genuinamente brasileiro, alegadamente revolucionando o panorama da cultura nacional desde o início e identificando São Paulo como o centro irradiador de todas as mudanças.[8][9] Essa visão mítica, magnificada e acrítica do evento vem sendo revista em anos recentes, localizando outros pontos do país onde os princípios modernistas estavam sendo cultivados ao mesmo tempo; derrubando a visão monolítica do que vinha sendo descrito como o primeiro modernismo, revelando uma diversidade de ideias e propostas diferentes e não raro antagônicas; constatando que o conceito de "brasilidade" defendido pelos participantes da Semana continha, de fato, uma pletora de influências estrangeiras, e que a suposta ruptura com o passado não foi assim tão radical como o pretendido, sendo em parte herdeira de movimentos de renovação anteriores. A Semana ainda é considerada um momento importante, não perdeu sua qualidade como um dos marcos do modernismo brasileiro, mas não foi o único e nem o primeiro, e precisa ser avaliada contra um contexto mais amplo, complexo e nuançado do que aquele que foi consagrado na historiografia tradicional.[8][9][10] A Semana de Arte Moderna se encaixa no contexto da República Velha (1889-1930), controlada pelas oligarquias cafeeiras - as famílias quatrocentonas - e pela política do café com leite (1898-1930). O capitalismo crescia no Brasil, consolidando a república e a elite paulista, esta totalmente influenciada pelos padrões estéticos europeus mais tradicionais.[11][12] Na década de 1910, começam os primeiros debates em torno da necessidade de renovação das artes brasileira, como ma Exposição de Arte Moderna (1917), de Anita Malfatti. Em 1921, intelectuais como Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia manifestam o desejo de tornar a comemoração do Centenário da Independência do Brasil em manifesto de emancipação artística.[1] No mesmo ano, sob patrocínio do mecenas Paulo Prado, a ideia do festival toma forma inspirado na Semaine de Fêtes de Deauville, na França. O apoio do aclamado romancista Graça Aranha também serviu para legitimar o grupo modernista, que até então era pouco reconhecido.[1] O objetivo do evento era o de renovar o ambiente artístico e cultural da cidade com "a perfeita demonstração do que há em nosso meio em escultura, arquitetura, música e literatura sob o ponto de vista rigorosamente atual", como informava o Correio Paulistano, órgão do partido governista paulista, em 29 de janeiro de 1922.[13] VanguardasA nova intelectualidade brasileira dos anos 1910 e 1920 viu-se em um momento de necessidade de abandono dos antigos ideais estéticos do século XIX ainda em moda no país, como o parnasianismo.[14] O principal foco de descontentamento com a ordem estética estabelecida se dava no campo da literatura (e da poesia, em especial). Exemplares do futurismo italiano chegavam ao país e começavam a influenciar alguns escritores, como Oswald de Andrade e Guilherme de Almeida.[15] A jovem pintora Anita Malfatti voltava da Europa trazendo a experiência das novas vanguardas, e em 1917 realiza a que foi chamada de primeira exposição modernista brasileira, com influências do cubismo, expressionismo e futurismo.[16] A exposição causa escândalo e é alvo de duras críticas de Monteiro Lobato, o que foi o estopim para que a Semana de Arte Moderna tivesse o sucesso que, com o tempo, ganhou.[17] Grupo dos CincoVer artigo principal: Grupo dos Cinco (Brasil) O Grupo dos Cinco foi responsável, junto a outros artistas, pelo referencial ideológico e artístico da Semana de 1922. Era formado por Anita Malfatti, Tarsila do Amaral (pintoras), Menotti Del Picchia, Oswald de Andrade e Mário de Andrade (escritores).[18]
O Grupo dos Cinco. Da esquerda para direita: Anita Malfatti, Mário de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral. O Theatro Municipal de São Paulo, em foto do início da década de 1920. O festival ocorreu entre os dias 13 e 17 de fevereiro no saguão do Teatro Municipal de São Paulo com a exposição de cerca de 100 obras, que era aberta ao público. No período da noite, também ocorriam três sessões lítero-musicais noturnas.[1] A programação musical foi apresentada pela pianista Guiomar Novaes (1894-1979) e por Ernani Braga (1888-1948), que interpretaram composições de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) e do francês Debussy (1862-1918).[1] Participaram da Semana de Artes Moderna artistas dos mais variados segmentos. Entre os pintores, estavam nomes como Anita Malfatti (1889-1964), Di Cavalcanti (1897-1976), John Graz (1891-1980), Ferrignac (1892-1958), Zina Aita (1900-1967), Vicente do Rego Monteiro (1899-1970), Yan de Almeida Prado (1898-1987) e Antônio Paim Vieira (1895-1988).[1] Também participaram escultores, como Victor Brecheret (1894-1955), Wilhelm Haarberg (1891-1986) e Hildegardo Leão Veloso (1899-1966),[1] arquitetos, como Antônio Garcia Moya (1891-1949) e Georg Przyrembel (1885-1956), e escritores, como Graça Aranha (1868-1931), Guilherme de Almeida (1890-1969), Mário de Andrade (1893-1945), Menotti Del Picchia (1892-1988), Oswald de Andrade (1890-1954), Renato de Almeida, Ronald de Carvalho (1893-1935), Tácito de Almeida (1889-1940) e Manuel Bandeira (1884-1968).[1] 13 de fevereiroCartaz anunciando o último dia da semana Capa do catálogo da exposição de arte da Semana de Arte Moderna, organizada por Mário de Andrade e Grupo dos Cinco. A ilustração é de Emiliano di Cavalcanti. Abertura oficial do evento. Espalhadas pelo saguão do Teatro Municipal de São Paulo, várias pinturas e esculturas provocam reações de espanto e repúdio por parte do público. O espetáculo tem início com a confusa conferência de Graça Aranha, intitulada "A emoção estética da Arte Moderna".[19] 15 de fevereiroGuiomar Novaes era para ser a grande atração da noite. Contra a vontade dos demais artistas modernistas, aproveitou um intervalo do espetáculo para tocar alguns clássicos consagrados, iniciativa aplaudida pelo público. Mas a atração da noite foi a palestra de Menotti del Picchia sobre a arte estética. Menotti apresenta os novos escritores dos novos tempos e surgem vaias e barulhos diversos (miados, latidos, grunhidos, relinchos…) que se alternam e confundem com aplausos. Contudo, segundo Haroldo Lívio, o poeta Agenor Fernandes Barbosa foi o único participante aplaudido pelo público no segundo dia do evento.[20] Quando Ronald de Carvalho lê o poema intitulado Os Sapos de Manuel Bandeira (poema criticando abertamente o parnasianismo e seus adeptos), o público faz coro atrapalhando a leitura do texto.[21] 17 de fevereiroO dia mais tranquilo da semana, apresentações musicais de Heitor Villa-Lobos, com participação de vários músicos. O público em número reduzido, portava-se com mais respeito, até que Villa-Lobos entra de casaca, mas com um pé calçado com um sapato, e outro com chinelo; o público interpreta a atitude como futurista e desrespeitosa e vaia o artista impiedosamente. Mais tarde, o maestro explicaria que não se tratava de modismo e, sim, de um calo inflamado.[13] Na época, boa parte da mídia reagiu de forma conservadora ao Movimento da Semana de Arte de 1922 referindo-se aos vanguardistas como "subversores da arte", "espíritos cretinos e débeis" ou "futuristas endiabrados". Mas, uma exceção foi o jornal Correio Paulistano que apoiou os lançamentos e críticas do movimento.[22] Ver artigo principal: Modernismo no Brasil A Semana de Arte Moderna de 1922 pretendeu uma ruptura com o conservadorismo identificado na produção artística brasileira de então. Seus dois ideólogos principais, Mário de Andrade e Oswald de Andrade, defendiam a negação de todo "passadismo" e clamam por liberdade de expressão e pela deposição dos temas tradicionalistas e importados do exterior,[1] mas já naquela época alguns críticos do movimento, como Ângelo Guido, identificaram muitos elementos alienígenas na base da sua ideologia, como o cubismo, o futurismo, o ultraísmo e o dadaísmo, que tinham origem europeia.[8] A Semana não teve muita importância em sua época e levou anos para ganhar valor histórico, projetando-se ideologicamente ao longo do século. Por falta de uma ideologia comum a todos os seus participantes, dividiu-se em vários movimentos bastante distintos, todos se declarando herdeiros do movimento.[23] Entre os movimentos que surgiram na década de 1920 estão o Movimento Pau-Brasil, o Movimento Verde-Amarelo e o Movimento Antropofágico.[24] A principal forma de divulgação dessas novas ideias era por meio de revistas, como a Klaxon e a Revista de Antropofagia.[25] Palácio dos Bandeirantes, em São Paulo, iluminado com projeções de obras de arte em comemoração aos 100 anos da Semana de Arte Moderna O eco da Semana de 22 frutificou na segunda metade do século XX, como o tropicalismo na música, a geração da Lira Paulista no teatro na década de 1970 (que introduziu Arrigo Barnabé e Itamar Assumpção, entre outros) e o cinema de Glauber Rocha.[26] A Bossa Nova também deve muito aos modernistas, por sua particular interpretação do movimento antropofágico, traduzindo a influência da música popular estadunidense para a linguagem brasileira do samba ou do baião.[27][28] A Semana vem sendo revisada criticamente nos últimos anos e muitos mitos criados em torno dela estão sendo reavaliados. Para o pesquisador Tarcízio Macedo, "gradativamente, as revisões da historiografia sobre os modernismos brasileiros mostram que a Semana de 1922 não ilustra nem o princípio muito menos o apogeu de uma renovação que cruzou décadas e até hoje suscita ecos. Cada lugar tem o seu quadro e o importante é observar justamente a riqueza e a diversidade dos modernismos no Brasil".[8] Nas comemorações do centenário da Semana em 2022, vários eventos, mostras, publicações e seminários foram organizados, tentando formar uma visão mais exata sobre como se formou e o que representou o movimento no contexto histórico e identificar as distorções da historiografia tradicional. É um exemplo a exposição Raio-que-o-parta: ficções do moderno no Brasil, inaugurada no dia 16 de fevereiro no SESC 24 de Maio, em São Paulo. A mostra teve sete curadores de várias regiões do país e apresentou cerca de 600 obras de 200 artistas, muitas delas pouco conhecidas. A proposta do curador geral Raphael Fonseca foi ir além da década de 1920 e questionar o protagonismo que a história da arte atribuiu a São Paulo.[8]
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O que foi a Semana de Arte Moderna onde e quando aconteceu
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